Il fascino del vecchio cinema non risiede solo nella bellezza e nella buona realizzazione di determinati film, quanto piuttosto nell’atmosfera che li pervadeva: il bianco e nero che favoriva una fotografia fatta di luci e ombre, le trame noir, gli uomini tutti d’un pezzo e le femme fatale creavano infatti un clima molto particolare, che si è gradualmente perso col passaggio al colore e con l’introduzione del cinema degli antieroi, di sicuro più vicino alle ansie e alle paure dell’uomo moderno ma di conseguenza anche meno mitico e affascinante.

Oggi, a ricordarci quell’alone di mistero e di divismo rimangono i vecchi film, passati da qualche canale satellitare o digitale o ripescati in DVD (quando si ha la fortuna di vederli ristampati), ma anche le vecchie foto, che spesso richiamano proprio quell’atmosfera. Ne abbiamo selezionate cinque tra quelle più famose e significative.

 

Fred Astaire e Ginger Rogers

Il re e la regina del tip-tap

Fred Astaire e Ginger Rogers in una delle più celebri vecchie foto di HollywoodIl sistema hollywoodiano si formò nei primi anni del secolo, all’epoca del muto, con film e star che cominciavano già ad imporsi a livello internazionale: basti pensare a Charlie Chaplin, protagonista di alcuni tra i più importanti film degli anni ’20, a Douglas Fairbanks, a Mary Pickford, a Rodolfo Valentino e a tutti i grandi divi dell’epoca.

Fu però solo con l’introduzione del sonoro, nel 1927, che il cinema diventò un fenomeno a tutto tondo, capace di catturare i sogni e le aspirazioni di interi paesi. E a cavalcare l’onda della rivoluzione furono, da subito, i film musicali, impossibili fino a pochi anni prima e d’improvviso elemento caratterizzante del cinema americano. E dove si canta, se l’arte è anche visiva, si deve per forza pure ballare: da qui la nascita del musical che, già diffuso a teatro, venne importato con solo lievissime modifiche sul grande schermo.

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Il successo a Broadway

La coppia che dominò il genere per almeno una ventina d’anni fu indubbiamente quella composta da Fred Astaire e Ginger Rogers, ritratta anche nella prima fotografia che abbiamo scelto per la nostra cinquina. Lui, battezzato Frederick Austerlitz, era nato nel 1899 in Nebraska da madre americana di origini tedesche e padre austriaco ebreo ma convertito al cattolicesimo; aveva dimostrato fin da bambino una grande passione per il ballo e da adolescente si era trasferito con la sorella a New York, trovando gradualmente sempre maggiore spazio a Broadway. L’ingresso nel mondo del cinema avvenne negli anni ’30, quando la sorella Adele – con la quale aveva fatto coppia fino ad allora – decise di ritirarsi dalle scene per sposarsi: Fred esordì così sul grande schermo nel 1933 in La danza di Venere, ma in quello stesso anno recitò anche in Carioca assieme a Ginger Rogers, con la quale avrebbe fatto coppia fissa fino al ’39, recitando poi nuovamente insieme una decina d’anni dopo. Astaire continuò la sua carriera anche nel dopoguerra, facendo coppia di volta in volta con Judy Garland, Cyd Charisse e Audrey Hepburn.

Ginger Rogers, invece, era nata col nome di Virginia McMath nel 1911 nel Missouri e si era fatta notare, giovanissima, come grande ballerina di charleston. Nel 1933 aveva già recitato in qualche film, ma era decisamente un nome di secondo piano, mentre Astaire poteva già vantare una importante fama a livello teatrale: quando la RKO formò la coppia, quindi, lei sembrava l’elemento più debole, anche se seppe subito guadagnarsi gli spazi e tener testa al più esperto ballerino di tip-tap. I loro film più celebri e riusciti rimangono probabilmente Cappello a cilindro del 1935 e Follie d’inverno del 1936, dove ballano su musiche di Irving Berlin e George Gershwin. Dopo la rottura con Astaire recitò in parti drammatiche (ottenendo anche un Oscar, nel 1940, per Kitty Foyle, ragazza innamorata), ma non ottenne più i risultati di un tempo, abbandonando presto il cinema per dedicarsi al teatro e alla tv.

 

Clark Gable

Orecchie a sventola e fascino da adorabile mascalzone

Clark GableGli anni ’30, ad Hollywood, non furono solo il periodo d’oro dei frac e del tip-tap, ma anche di quei personaggi maschili che potremmo definire “adorabili mascalzoni”: personaggi senza mezzi termini, vitali ma furbi, affascinanti ma moralmente ambigui, che dominarono la scena sia nei film drammatici che nelle commedie.

Il prototipo per eccellenza del ruolo fu Clark Gable, attore che nel giro di pochi anni conquistò un Oscar e due nomination come miglior attore protagonista, influenzando tutta l’industria e i suoi colleghi che provarono per qualche anno – ma senza successo – ad imitarlo.

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Da Accadde una notte a Via col vento

Nato nel 1901 in Ohio, aveva – come molti suoi colleghi dell’epoca – origini molto umili e passò la giovinezza a fare i lavori più disparati, dal taglialegna al venditore di cravatte. La sua carriera decollò grazie alle sue doti di seduttore e soprattutto a due matrimoni, contratti nel 1924 e nel 1930, con due donne entrambe di diciassette anni più anziane di lui, ricche e ben note nell’ambiente teatrale e cinematografico: così, dopo qualche particina al cinema e a Broadway, nel 1930 fu messo sotto contratto dalla MGM, che decise però di sottoporlo a due interventi chirurgici per da una parte ridurne le orecchie a sventola e dall’altra sistemargli i denti. I successi arrivarono rapidamente: nel 1934 vinse l’Oscar per Accadde una notte, divertente commedia di Frank Capra, mentre l’anno dopo ottenne una nomination per La tragedia del Bounty; nel 1939, infine, interpretò la parte che lo rese immortale, quella di Rhett Butler in Via col vento, che vinse 8 premi Oscar ma non lo vide – ingiustamente – tra i premiati.

La sua carriera era in quel momento all’apice, ma la sua vita privata subì un grosso scossone: dopo numerosissimi flirt e almeno una figlia illegittima, proprio nel 1939 sposò la diva Carole Lombard, donna di cui era perdutamente innamorato; dopo solo tre anni di matrimonio, però, lei morì in un tragico incidente aereo, lasciandolo vedovo inconsolabile. Gable, sconvolto, decise quindi di arruolarsi nell’aviazione per andare a combattere in Europa, ma al suo ritorno stentò a dare una regolata alla propria vita e alla propria carriera, passando per un altro matrimonio fallito e alcuni flop cinematografici. Riuscì a riprendersi solo a metà degli anni ’50, quando sposò Kay Spreckels, ma la sua seconda giovinezza s’interruppe presto, visto che nel novembre 1960 morì d’infarto, poco dopo aver terminato le riprese de Gli spostati.

 

Cary Grant

Dalla commedia sofisticata al thriller

Cary GrantProfondamente britannico era invece Cary Grant, attore nato anch’egli ad inizio Novecento (per la precisione nel 1904 a Bristol, finendo anche per diventare compagno di scuola del futuro premio Nobel per la fisica Paul Dirac) e anch’egli arrivato al cinema dopo vari lavori molto umili, ma giunto alla popolarità un po’ più tardi rispetto ad Astaire e Gable, visto che i suoi ruoli principali arrivarono tra la fine degli anni ’30 e gli anni ’50.

Dopo un’adolescenza in una compagnia di saltimbanchi, arrivò negli Stati Uniti nel 1920, partecipando ad alcuni spettacoli di Broadway; fu assunto dalla Paramount solo nel 1932, con tanto di obbligo di cambiare il proprio nome dal troppo britannico Archibald Leach in Cary Grant. Nei primi film ebbe ruoli da caratterista, ma a metà del decennio si formò un’affiatata coppia con Katharine Hepburn, che rese i due i re della commedia sofisticata: recitarono insieme in Il diavolo è femminaSusanna!IncantesimoScandalo a Philadelphia.

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La collaborazione con Hitchcock

Chiusa l’esperienza con la Hepburn, che si sarebbe poi legata a Spencer Tracy sia sul set che sulla vita, negli anni ’40 Grant cominciò a variare il proprio repertorio, esibendosi ancora in commedie (come la nera Arsenico e vecchi merletti di Frank Capra) ma anche in thriller, diretti soprattutto dal compatriota Alfred Hitchcock, come Notorius, l’amante perdutaCaccia al ladroIntrigo internazionale.

In tutta la sua carriera ottenne solo due nomination agli Oscar, peraltro per film minori come Ho sognato un angelo del 1941 e Il ribelle del 1944; ad ogni modo l’Academy cercò di correre ai ripari nel 1970, consegnandogli un Oscar alla carriera, ma nel contempo arrivarono importanti riconoscimenti come quello dell’AFI, che lo elesse seconda più grande star maschile del cinema di ogni epoca. Sposato cinque volte, molto attivo anche sul piano sociale (fu uno dei pochi a schierarsi apertamente contro il maccartismo e a difendere il connazionale Charlie Chaplin), si ritirò dalle scene a metà anni ’60.

 

Gene Kelly

Il ballerino dell’entusiasmo

Gene Kelly impegnato in uno dei suoi famosi balletti

Come abbiamo scritto, la coppia d’oro del balletto al cinema – quella formata da Fred Astaire e Ginger Rogers – si ruppe alla fine degli anni Trenta. La loro eredità, nei due decenni successivi, non andò però perduta e fu raccolta in toto da un nuovo ballerino, più dinamico e vorticoso nello stile come dinamici e vorticosi erano i tempi che si stavano preparando per l’America del dopoguerra: Gene Kelly.

Nato a Pittsburgh nel 1912, Kelly esordì attorno alla metà degli anni ’30 a Broadway in spettacoli sulle musiche di Cole Porter, ma fu solo nel 1940 che ottenne un ruolo da protagonista e l’incarico di coreografo, riuscendo ad innovare notevolmente l’impianto del balletto teatrale americano. Il passaggio al cinema fu quasi immediato, visto che nel 1942 esordì al fianco di Judy Garland, anche se il primo successo arrivò un paio d’anni più tardi, con Fascino, in cui ballava assieme a Rita Hayworth.

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I capolavori degli anni ’50

Fu però soprattutto nel dopoguerra che il suo stile scanzonato e la gioia dei suoi balletti conquistarono un pubblico americano (e mondiale) che aveva voglia di ritornare a sognare: dopo Due marinai e una ragazza, che nel 1945 lo vide protagonista assieme a Frank Sinatra e gli fruttò una nomination agli Oscar, tra il 1951 recitò, codiresse e coreografò due capolavori del musical a stelle e strisce come Un americano a ParigiCantando sotto la pioggia, che ebbero un successo clamoroso e segnarono l’apice della sua carriera. Non a caso, nel ’51 gli fu assegnato un Oscar onorario, nel ’56 vinse l’Orso d’oro a Berlino e nel ’60 la Francia lo premiò con la Legion d’onore.

Negli anni ’60 diradò sempre di più i suoi ruoli da attore, concentrandosi sulla carriera da regista (suo, ad esempio, Hello, Dolly!) e godendosi una meritata pensione. Alcuni suoi balletti, però, sono entrati nella storia del cinema: tra quelli più noti si ricordano quello con il topo Jerry in Due marinai e una ragazza, quello in cui impersona il ballerino di un quadro di Toulouse Lautrec in Un americano a Parigi e, all’interno di Cantando sotto la pioggia, quello in cui balla appunto sotto l’acquazzone (filmato, secondo la leggenda, mentre aveva 39,4 di febbre). La foto che vedete qui sopra e che immortala una forsennata scena di ballo tra Kelly e la collega Vera Ellen è tratta dal biopic Parole e musica del 1948, in cui vari divi del musical raccontavano la vita della coppia di compositori Richard Rodgers e Lorenz Hart.

 

Sophia Loren

La diva italiana

Sophia Loren all'apice del suo successo a HollywoodConcludiamo con un’attrice italiana, non solo per amor di patria ma anche perché fu la prima attrice non di madrelingua inglese a conquistare l’Oscar e ad arrivare allo status di diva: Sophia Loren, al secolo Sofia Scicolone.

Nata a Roma nel 1934 ma cresciuta a Pozzuoli, la futura attrice era figlia di una insegnante di pianoforte di modesta estrazione sociale – e sosia di Greta Garbo – e di un nobile siciliano, che la riconobbe ma che non ne volle sposare la madre e che quindi non la mantenne. Cresciuta in condizioni difficili, a partire dai 15 anni cercò fortuna con vari concorsi di bellezza, conquistando il titolo di Miss Eleganza a Miss Italia 1950 e da lì cominciando coi fotoromanzi; nel 1951 fu quindi scoperta da Carlo Ponti, che sarebbe poi divenuto suo marito, che la mise sotto contratto e la fece esordire al cinema, provandole vari pseudonimi fino al definitivo Sophia Loren, che voleva imitare sonorità svedesi tanto in voga in quegli anni.

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Il mambo con Vittorio De Sica

Dopo vari film in Italia con ruoli sempre più importanti (si ricordano Un giorno in preturaMiseria e nobiltàL’oro di NapoliLa donna del fiume), ebbe l’occasione della vita in Pane, amore e… di Dino Risi (1955), in cui la scena in cui ballava il mambo con Vittorio De Sica fece il giro del mondo e le aprì le porte di Hollywood: due anni dopo infatti recitava per Stanley Kramer in Orgoglio e passione, Carol Reed in La chiave, Martin Ritt in Orchidea nera (che le fruttò la Coppa Volpi a Venezia), George Cukor in Il diavolo in calzoncini rosa, Michael Curtiz in Olympia e Anthony Mann in El Cid. Ormai conquistata la scena in America e maturata artisticamente, decise di alternare le produzioni statunitensi a quelle italiane, e accettò di recitare nel film di Vittorio De Sica del 1960, La ciociara, che la consegnò alla leggenda: per quell’interpretazione conquistò l’Oscar, il David di Donatello, il Nastro d’Argento, il Premio per la miglior attrice a Cannes e il BAFTA.

Negli anni successivi recitò in altri capolavori di De Sica come Ieri, oggi, domaniMatrimonio all’italianaI girasoli Il viaggio, mentre negli Stati Uniti comparve in ArabesqueLa contessa di Hong Kong. Dal punto di vista personale, si sposò con Ponti nel 1957 anche se in maniera non legale, visto che lui era all’epoca sposato e in Italia non esisteva la possibilità di divorziare: per questo i due si trasferirono in Francia per prevenire eventuali accuse di bigamia o concubinaggio, abbandonando per molti anni l’Italia; successivamente, per problemi di Ponti con la Finanza, si spostarono ancora in California prima e in Svizzera poi, dove la Loren risiede tutt’ora.

 

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